Puppet tools (Herramienta de Posición Libre de After Effects)

El Puppet Tool (herramienta de posición libre) es una herramienta muy útil en Adobe After Effects que se utiliza para colocar diferentes puntos de anclaje en una imagen 2D o gráfico vectorial para luego animarlos y así lograr un movimiento orgánico de una manera muy fácil. Esta herramienta no se encuentra en la lista de filtros de efectos sino justo arriba de la ventana de la composición con el icono: 

Lo más común es que se utilice para animar un personaje 2D en una misma capa, pero también se puede utilizar para animar capas de texto, sólidos… entre otros.

En este ejemplo utilizaremos el dibujo de un personaje que ha sido previamente recortado en Photoshop y exportado con alfa (png). Una vez importada la imagen en After Effects se crea una composición con las dimensiones deseadas y se coloca la imagen en ella.  

Ya teniendo la capa del personaje (Imagen A), en la composición activamos el Puppet Tool y colocamos una serie de puntos donde queremos lograr flexibilidad y control de éste (Imagen B). Para animar un personaje, estos puntos se colocan normalmente en las articulaciones del mismo, como las manos, codos, rodillas, etc. Después de colocar el primer punto libre con el Puppet Tool, la herramienta creará una malla basada en el canal alfa del PNG para así lograr una deformación orgánica. Ahora, para animar estos puntos, sólo tenemos que entrar en la capa del personaje, hacer click en Efectos, después en la pestaña de Punto Libre, Malla 1 y ahí veremos cada uno de éstos con el nombre de Ubicación de posición libre #. A continuación sólo hace falta colocar keyframes para todos éstos y crear la posición inicial del personaje, avanzar el tiempo deseado y con la misma herramienta: 

...seleccionada, mover cada uno de los puntos hasta lograr las diferentes poses del personaje. De esta manera logramos una simple animación en una capa 2D sin necesidad de recortar cada una de las partes del personaje para luego armarlas y animarlas por separado, además de obtener una deformación orgánica imposible de lograr con esta otra técnica tradicional.

Dentro de la herramienta de Puppet Tool tenemos dos otras opciones para lograr aún más control de la animación:

Puppet Overlap tool

Puppet Starch tool

De estas otras dos herramientas hablaremos en otra entrada.

A continuación tenemos un ejemplo de una simple animación creada utilizando la herramienta Puppet Tool.

GRABACIONES EN CROMA

Gran parte de los videos que realizamos en DS Solutions llevan grabación en croma.

Para quienes no hayan oído nunca hablar de ello, el croma, inserción croma o llave de color (del inglés chroma key) es una técnica audiovisual utilizada ampliamente tanto en cine y televisión como en fotografía, que consiste en extraer un color de la imagen (usualmente el verde o el azul) y reemplazar el área que ocupaba ese color por otra imagen,con la ayuda de un equipo especializado o un ordenador. Esto se hace cuando es demasiado costoso o inviable rodar al personaje en el escenario deseado, o para evitar el laborioso recorte del personaje fotograma a fotograma (rotoscopia).

Ningún elemento de la escena debe ser del mismo color del fondo (pues sería eliminado de la imagen), y en vestuario, peluquería, etc. se deben evitar los bordes poco definidos, ya que será más difícil ajustar el croma.

Habitualmente se usa verde o azul como color de fondo, ya que el rojo es el componente de color más abundante de la piel humana. Aunque el color más usado para el fondo o ciclorama era el azul, el verde se ha impuesto al ser la ropa azul mucho más común que la verde.

Para que el fondo reproduzca el mismo movimiento de cámara que la imagen original, durante el rodaje se fijan en la pared del plató unos "puntos de rastreo" (tracking points) que después son detectados por el ordenador y su movimiento transferido al nuevo fondo. 

En función de las necesidades del video que nuestros clientes encarguen, hemos grabado en diferentes instalaciones de croma. La última vez quedamos muy contentos con el plató con ciclorama del que dispone la Escuela CICE y que si eres antiguo alumno puedes alquilar, incluido todo el material de iluminación, incluso de video, que puedas necesitar. Algunos de nuestros diseñadores estudiaron allí, lo que nos posibilitó el uso de sus instalaciones.

Tras grabar durante toda una mañana, tuvimos gran parte de la imagen real que necesitábamos para la realización de un video corporativo de una conocida entidad bancaria en el que queríamos recrear un entorno virtual estilo “Minority Report” o similar.

Os dejamos una muestra del antes y el después.

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El Nuevo Final Cut X y la apuesta de Apple a la edición no lineal

Desde hace un par de años Apple viene actualizando su editor estrella: hablamos de Final Cut X. Con la inminente aparición del Mac Pro, su apuesta adaptada al mundo profesional de la edición, los técnicos de Apple han decidido llevar más allá el software que le acompaña agregando capacidades de edición de vídeos a 4K (video de calidad 4 veces mayor a HD).

Pero volviendo al tema del Post, Final Cut en su versión actual (10.1.1) se presenta bajo una interface amigable, en lo que a primera vista parece el iMovie y que en principio fue el punto de mira de todas las críticas recibidas, pero que de fondo oculta un mundo de funcionalidad y estabilidad.

Comenzaré con su interface, explicada desde lo que para mí es más importante. En la parte inferior tenemos la Librería de Proyectos, que no es más que un listado de las películas que hemos editado (si abrimos por primera vez el editor esta ventana aparecerá vacía); aquí podremos elegir el proyecto con el que trabajaremos o crear uno nuevo desde cero. Arriba a la Izquierda nos encontramos la Librería de Eventos, que se compone de los elementos que alimentarán nuestro proyecto, ya sean películas, sonidos, imágenes…etc.

Arriba en el centro tendremos el Visor, que nos permite visualizar según la amplitud que designemos el clip seleccionado; contiguo al Visor, tenemos el Inspector, que nos permite editar las cualidades del clip que seleccionemos y varía según el tipo; por ejemplo, un clip de película, nos permitirá transformarla y hacer correcciones de color (entre otras), mientras que si seleccionamos un clip tipográfico nos permitirá editar texto, tamaño y fuentes, entre otras cosas.

Por último, el Buscador de Efectos está ubicado debajo a la derecha; éste nos permite buscar y seleccionar dentro de la amplia biblioteca de efectos incluidos en Final Cut el que más se adapte a nuestra película. 

Dentro de los Pros de Final Cut, podemos decir que los tiempos de render son mínimos sin importar el tipo de salida que decidamos usar, los formatos nativos en h264 y ProRes422 brindan una calidad de imagen final excelente, las herramientas de Chroma incluidas dejan a la competencia en pañales con sólo dos clicks de ratón… esto entre muchas otras ventajas. Sin embargo, creo que FCX aún necesita un mejor sistema de importación de archivos, exportar desde cámaras SONY se convierte en un proceso imposible si no contamos con la estructura de archivo de la tarjeta de la cámara.

En DS Solutions esperamos impacientes el nuevo Final Cut y el Mac Pro para seguir estando al día con lo último en tecnología.

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Bienvenid@s

El equipo de DS Solutions hemos creado este blog para poder compartir experiencias, consejos y anécdotas relacionadas con nuestra labor profesional.

Así, nuestras entradas tocarán temas como trucos y herramientas de animación 3D, Motion Graphics, producción audiovisual, programación… entre otros.

Entendemos nuestra profesión como algo creativo y en constante evolución, y por ello creemos que es importante estar actualizado y poner en común nuestros conocimientos, descubrimientos y aquellos temas que sirvan para conectar con cualquier persona o empresa que, como nosotros, sienta pasión por el mundo de la comunicación, el diseño y la imagen.

¿Empezamos?

Ambient Occlusion (3D)

El Ambient Occlusion (AO) es el efecto de oscurecimiento que generan los objetos entre sí ó incluso un objeto consigo mismo. Los objetos producen sombras unos con otros, se aprecia fácilmente en un día nublado (por ejemplo la sombra que generan los coches con el suelo). 

Pues este es parte del efecto que genera el AO.

En 3D Studio Max, el AO se consigue con un pase de render del frame o secuencia que estamos trabajando, por lo que se renderiza la secuencia al menos dos veces (RGB y AO), luego procederíamos a componerlos con Photoshop (Render fijo) o Nuke (en caso de una secuencia animada).

Lo primero que debemos hacer es tener una escena con al menos dos objetos en ella o un solo objeto que posea concavidades o polígonos enfrentados. Luego procedemos a realizar nuestro primer pase de render (imagen RGB), esta imagen será como la de cualquier otro render, con luces y todas las especificaciones que deseemos que posea nuestro render.

Luego procederemos a realizar el pase de render del AO. Si trabajamos con MentalRay, 
vamos al editor de materiales, elegimos un material Standard, y en el canal Difuse elegimos el Ambient/ReflectiveOcclusion de Mental Ray. Ahora bien, el samples da mayor o menor definición; Spread, se refiere a la extensión de la sombra; Max distance hace referencia a la escala, por lo que es un valor variable de acuerdo a la escena que se tenga construida. 

En el ejemplo al final de este post los valores utilizados fueron los siguientes: Samples 64, Spread 0,75 y Max distance 3,0m. El Self-Illumination del material standard deberá estar al 100%. Luego aplicaremos nuestro material a toda la escena. Es muy importante que el pase de render se envíe con un Enviorement de color blanco puro y sin Indirect Ilumination, luego se procede a renderizar la escena.

Para componer el render AO con el RGB sólo tenemos que realizar una fusión de los dos 
pases de render donde el AO se añadirá al RGB con un tipo de fusión Multiplicado (tanto en Photoshop como en Nuke).

Y listo. Este es el resultado que obtendremos, ganaremos más detalle y se generarán sombras extras que le darán un mayor realismo y riqueza a nuestra imagen final.